Não acredite no que você ler por aí: O Regresso não é um filme sobre o homem vs. a natureza. Por alguns breves momentos, talvez, quando a câmera de Alejandro G. Iñárritu (Birdman) e de seu fiel escudeiro, o diretor de fotografia Emmanuel Lubezki, exploram a tensa e brutal cena em que o protagonista feito por Leonardo DiCaprio luta contra um urso selvagem enorme. A fama adquirida por tal sequência, filmada com inclemente continuidade por Iñárritu e Lubezki, e as extremas condições meteorológicas e geográficas enfrentadas pelo protagonista em sua história de sobrevivência e vingança, devem ter dirigido a maioria dos críticos nessa direção, mas a verdade é que O Regresso usa desses elementos para contar e espelhar uma história que é fundamentalmente sobre um homem vs. o outro, ou vs. si mesmo. Destrinchando políticas sociais e raciais da época em que os colonizadores invadiam os territórios dos nativos-americanos e lhes roubavam de tudo, O Regresso nos apresenta um mundo em que, não diferente dos outros da filmografia de Inárritu, tirar vantagem própria de uma situação de fraqueza do outro é o que faz do homem o que ele é.
Após o mencionado ataque do urso selvagem, Hugh Glass (DiCaprio), parte de um grupo de revendedores de couro e pele de animais que invadiu o território de uma tribo indígena, é deixado para trás por seus colegas. O módico de decência que existe em seu capitão (Domhnall Gleeson, uma das poucas notas falsas do filme) exige que dois outros homens sejam deixados para trás para cuidar do companheiro ferido e dar a ele um enterro digno quando for a hora – Bridger (Will Poulter) pretende seguir as ordens, mas John Fitzgerald (Tom Hardy) tem outros planos, que envolvem o filho meio-nativo-americano de Glass, chamado Hawk (Forrest Goodluck). A épica jornada de Glass do local em que foi deixado por Fitzgerald e Bridger até a base dos colonizadores, em busca de vingança, forma o alicerce do filme, e no caminho ele topa com nativos misteriosos que o provem com comida, tribos hostis que o obrigam a entrar em um rio congelante e traiçoeiro, um grupo de colonizadores franceses cuja conduta em relação aos nativos é repugnante. Embora se passe largamente num ambiente selvagem, O Regresso nunca é capaz de abandonar a humanidade, talvez para nos dizer que a civilização é uma ilusão, um construto que criamos para disfarçar nossa essencial animalidade.
Os filmes de Iñárritu sempre tiveram esse discurso pessimista, esse olhar cínico e opressivo em relação à condição humana, e O Regresso não é diferente. Não é que o mundo (e nós, que o habitamos) seja completamente desprovido de decência, solidariedade ou heroísmo – é que nossa decência, nossa solidariedade e nosso heroísmo são reflexões tortas e só meio efetivas da nossa natureza, que é essencialmente egoísta. Para cada fio de luz, uma imensidão de escuridão. Para Hugh Glass, feito com bravura por Leonardo DiCaprio, essa jornada por diferentes tipos de interação humana é também uma jornada de túmulo a túmulo – em um diálogo memorável, o personagem diz: “Não tenho mais medo de morrer. Eu já morri antes.”. O espectador, invariavelmente, acredita. Na sua impressionante atuação de método, se arrastando pelas paisagens naturais do filme e transmitindo ao espectador com sutileza notável o sofrimento e a obstinação do personagem, DiCaprio encontra por baixo das camadas físicas um homem que conhece bem demais as áreas cinzas e as sombras do mundo em que vive. Deixado em um túmulo raso por Fitzgerald e Bridger, desmaiado na beira de um rio congelante, emergindo de um casulo formado de troncos e gravetos ou se escondendo dentro de um animal morto para se proteger do frio, a impressão que fica é que Glass morre a cada vez que fecha os olhos – e o efeito da atuação de DiCaprio é lento e inestimável.
A não ser por Gleeson, o elenco coadjuvante também entrega bons momentos. No pouco tempo que é dado, Poulter serve como a face da “inocência” sendo esmagada e ensinada pela hipocrisia e pelo egoísmo de terceiros; e Hardy está, como de costume, incrível em um papel que lhe cai como uma luva, um calculista e desesperado vilão que vê tudo que conquistou escapar de suas mãos (e seu trabalho ser explorado por aqueles que o contrataram) e reage com violência, subterfúgios e um espanto que logo se transforma em revolta e atitudes impulsionadas por um niilismo tremendo. O excelente trabalho de fotografia de Lubezki combina lirismo com o tom sóbrio e realista das sequências mais focadas na provação física enfrentada por Glass com maestria – é um casamento que abusa de decisões extremas, como a de filmar tudo com a luz natural, e as usa para criar imagens ainda mais impressionantes. A hercúlea duração do filme, imposta com aridez e firmeza por Iñárritu, garante que O Regresso se torne uma experiência imersiva, exaustiva e complexa, que exige a atenção do espectador e o “recompensa” com uma dura crítica existencial e social. É um filme corajoso, intermitentemente belo, mas integralmente honesto quanto ao seu retrato do mundo e da humanidade, tanto a dos idos de 1820 quanto a de hoje. As mudanças, de lá para cá, são só de superfície.
✰✰✰✰✰ (5/5)
O Regresso (The Revenant, EUA, 2015) Direção: Alejandro González Iñárritu Roteiro: Mark L. Smith, Alejandro González Iñárritu Elenco: Leonardo DiCaprio, Tom Hardy, Domhnall Gleeson, WIll Poulter, Forrest Goodluck 156 minutos
Em O Quarto de Jack, filme de Lenny Abrahamson (Frank) adaptando o livro ultra-bem-sucedido de Emma Donoghue, mais do que em qualquer outra obra cinematográfica da atual temporada de premiações que chegará ao seu ápice no próximo dia 28, no Oscar, é importante que o espectador esteja sempre dentro do mundo, e das cabeças, dos personagens principais da história. As formas que o diretor, os atores, o roteiro e o trabalho de fotografia e edição (especialmente) encontram para arquivar essa sensação é que o tornam um dos filmes mais tecnica e emocionalmente realizados do ano. Logo nas primeira cenas, o trabalho do diretor de fotografia Danny Cohen (O Discurso do Rei) é observar os mínimos detalhes do quarto do título, local onde Joy (Brie Larson) e o filho Jack (Jacob Tremblay) passam todo o seu tempo. O trabalho de Cohen é nos transmitir a claustrofobia do pequeno cômodo, e ao mesmo tempo a vastidão que ele representa para Jack, que nunca viu o mundo lá fora – para ele, tudo no universo está contido lá dentro, e a forma como isso é realçado visualmente, além dos pequenos detalhes da história que constróem essa realidade, é espetacular.
Acontece que nossos dois protagonistas são vítimas de uma história que não tem nada de sobrenatural, ou de ficção científica – eles são reféns de um homem (Sean Bridgers) que mantem Joy em cativeiro há anos, e que abusa sexualmente dela em uma base diária. É aí que Larson e Tremblay entram para pousar o filme firmemente na realidade desde o começo. Ela, em uma performance que provavelmente vai render o Oscar de Melhor Atriz no próximo dia 28, e que a transformou em uma das maiores estrelas de Hollywood no momento, incorpora a personagem sem a ambição de fazê-la um pedaço previsível de ficção sobre a obstinação humana. Em certo momento do filme, uma entrevistadora diz para Joy: “Ninguém espera que você seja um exemplo de força”. A genialidade de Larson está em entender que não é bem assim, que as pessoas (nós espectadores incluídos) esperam que os que passaram por tragédias como a que Joy perdurou nos renovem a fé na capacidade humana de se adaptar e ser maior que as circunstâncias que nos são apresentadas. Em vez disso, a personagem que Brie constrói é uma jovem irremediavelmente quebrada, por vezes irritadiça e imatura, e sua resistência pelos anos de tormento, e pela difícil readaptação ao mundo real, é mais sentida e cruamente expressada do que seria nas mãos de qualquer outra atriz.
O pequeno Jacob Tremblay é outra história, é claro. Exibindo sua personalidade afável por aí nas temporadas de premiações, é fácil perceber que Tremblay não é um daqueles atores mirins prematuros, que falam como adultos de seus personagens e dos filmes que fazem. Essa energia passa para O Quarto de Jack, é claro, e torna ainda mais notável a forma como o ator entende e reage à história e às interações de seu personagem com a trama. Jack é essencialmente a âncora do filme, de onde a trama tira o seu principal ponto de vista, e o dono da jornada de maior descoberta e florescimento no cinema de 2015 – a forma como Tremblay expressa isso nos maiores momentos da trama, assim como nos menores, prova uma essencial compreensão do que o personagem está passando. Em um momento em especial, quando Jack vê pela primeira vez o céu azul fora do quarto onde viveu sua vida inteira, a expressão no rosto de Tremblay é uma surpresa de tirar o fôlego, a moldura a partir da qual o diretor Abrahamson contrói uma das sequências mais angustiantes e tensas do cinema do ano passado.
As performances coadjuvantes vem de atores que são consistentemente excelentes em qualquer papel, então não é surpresa que Joan Allen e William H. Macy emocionem, de maneiras bem distintas, na pele dos pais de Joy. O excelente elenco passa por cima até das poucas imperfeições que o roteiro da própria Emma Donoghue, adaptando seu próprio livro, deixa passar – a maioria dessas imperfeições, paradoxalmente, servem para o bem da história, vide a narração de Jack, que é a espinha dorsal do livro, mas parece deslocada em alguns dos momentos em que aparece no filme. É impossível, no entanto, escrever objeções diretas a inclusão desses trechos narrados com doçura ímpar por Tremblay, porque eles provem a uma história sufocantemente realista certa sombra de realismo mágico, e aprofundam a dimensão metafórica da história que Donoghue escreveu. É até curioso que, mesmo assim, as cenas narradas pareçam deslocadas com o restante do filme, incluídas como um recurso simples em um filme complexo, ou talvez seja só o diretor Abrahamson que não trabalha o bastante a sobreposição de tons e gêneros.
Por mais que O Quarto de Jack seja sobre uma situação lamentavelmente comum e terrível, e aborde essa situação com sensibilidade e coragem, mostrando as dificuldades e exigências do mundo (da família, por mais bem intencionada; da mídia; da sociedade como um todo) frente aos sobreviventes desse tipo de tragédia, confrontando decisões de seus personagens e as consequências dela com bravado, a criação de Donoghue é também uma dolorida jornada metafórica por aquele momento da infância em que uma mãe percebe que seu filho é capaz de explorar o mundo por si próprio. Quando a Joy de Brie Larson sussurra suas últimas e significativas palavras em O Quarto de Jack, ela não está dizendo adeus só a um passado traumático, mas a tudo que houve ali e a conexão profunda e irreparável que por vezes pode fazer uma mãe e um filho acharem, por muito tempo, que o mundo se resume só a eles dois. Eventualmente, a realidade se impõe, e a grandeza absoluta do mundo obriga mãe e filho a forjarem um outro tipo de elo, imperfeito e machucado como todo o resto do que eles vão conhecer na vida.
✰✰✰✰✰ (5/5)
O Quarto de Jack (Room, Irlanda/Canadá, 2015) Direção: Lenny Abrahamson Roteiro: Emma Donoghue, baseada em seu próprio livro Elenco: Brie Larson, Jacob Tremblay, Sean Bridgers, Joan Allen, William H. Macy, Tom McCamus 118 minutos
Nem todos os filmes merecem (ou pedem) uma análise complexa como a que fazemos com alguns dos lançamentos mais “quentes” ou filmes que descobrimos e nos surpreendem positivamente. Particularmente, também, eu não me dou a escrever críticas grandes de filmes que considero ruins ou irrelevantes, porque não vejo sentido em remoer demais os erros de uma produção cinematográfica. É levando em consideração a função da crítica e da resenha como uma orientação do público em relação ao que vai ser visto em determinado filme que eu resolvi criar essa coluna, que visa falar brevemente dos filmes que não ganharam review completo no site. Vamos lá:
Hotel Transilvânia 2 (Hotel Transylvania 2, EUA, 2015)
Direção: Genndy Tartakovsky
Roteiro: Robert Smigel, Adam Sandler
Elenco: Adam Sandler, Andy Samberg, Selena Gomez, Kevin James, Steve Buscemi, David Spade, Keegan-Michael Key, Molly Shannon, Megan Mullally
89 minutos
O primeiro Hotel Transilvânia, lançado em 2012, não conseguiu evitar de se parecer muito com um desperdício dos talentos consideráveis do mestre da animação Genndy Tartakovsky, que estava fazendo sua estreia no comando de um longa-metragem depois de assinar séries de TV elogiadas como Star Wars: Clone Wars, Samurai Jack e As Meninas Super-Poderosas. O design tremendamente criativo dos personagens monstrengos de Hotel Transilvânia, a energia das piadas físicas e visuais, as referências clássicas do conceito inicial, tudo era afogado por um roteiro sem ritmo nem surpresas, que seguia à risca os clichês do gênero e não aproveitava o potencial que a história poderia oferecer.
Para a continuação, três anos depois, era difícil esperar algo diferente, principalmente com o astro Adam Sandler (que dubla o protagonista Dracula) assumindo serviços de roteirista. Que surpresa, portanto, que Hotel Transilvânia 2 abrace pelo menos um pouco mais do potencial de seus personagens e de sua premissa – na nova trama, Drac tem de lidar com a filha, Mavis (Selena Gomez) pensando em se mudar do Hotel com seu novo marido, o humano Jonathan (Andy Samberg), e o filho recém-nascido, que ainda não mostrou sinais de ser um monstro como o lado materno da família. Por baixo da trama boba e do humor um pouco mais controlado, corre em Transilvânia 2 um agradável e esperto discurso sobre preconceito e a vontade de moldar a próxima geração com os costumes das suas predecessoras.
Nesse ritmo, talvez o inevitável Hotel Transilvânia 3 possa estar à altura do seu genioso (e genial) diretor.
✰✰✰✰ (3,5/5)
A Visita (The Visit, EUA, 2015)
Direção e roteiro: M. Night Shyamalan
Elenco: Olivia DeJonge, Ed Oxenbould, Deanna Dunagan, Peter McRobbie, Kathryn Hahn
94 minutos
Desde o lançamento de A Visita nos cinemas, no finalzinho de Novembro (Setembro nos EUA), o filme foi saudado como um peculiar retorno à forma de M. Night Shyamalan, o homem responsável por clássicos como O Sexto Sentido e A Vila, mas também por desastres como Fim dos Tempos e O Último Mestre do Ar. A percepção crítica não estava errada, mas A Visita não é o que se poderia esperar de um comebackmovie para Shyamalan, conhecido pelas formalidades clássicas e pela influência de Spielberg, Hitchcock e outros diretores classudos em suas obras. Pelo contrário, é um filme que testemunha a evolução de um autor e a forma como um período sendo alvejado por críticas pesadas o moldou – ao se apropriar da cansada convenção do found footage, Shyamalan decidiu não se levar a sério demais, criando um filme rechado de consciência de si mesmo e das convenções com as quais brinca, mas que as subverte e as usa com sabedoria.
A Visita é uma esperta história de terror sobre familiaridade, trauma, mágoa e cicatrizes psicológicas, o que o funda firmemente em um plano terreno, como a maioria dos bons filmes do gênero. As duas adoráveis crianças no centro do filme, Becca (Olivia DeJonge) e Tyler (Ed Oxenbould, especialmente ótimo), foram abandonadas pelo pai mais velho, que fez a mãe (Kathryn Hahn) fugir de casa aos 19 anos para construir uma vida sozinha. Quando os avós de Becca e Tyler, com quem a mãe não tinha contato desde então, pedem para conhecer os netos, o filme estabelece sua história e seu tom, usando as aspirações cinematográficas de Becca, que planeja fazer um documentário sobre os avós perdidos, para justificar o formato e tecer um discurso de metaficção no processo. Deanna Dugan e Peter McRobbie, os dois character actors veteranos que fazem o papel doa avós, abocanham com gosto as partes mais exaltadas do roteiro de Shyamalan, transpirando a malediscência do texto com facilidade.
Tremendamente criativo e com toques de irreverência que temperam o terror found footage sem deixá-lo perder o potencial aterrorizante (e as imagens impactantes que Shyamalan conjura, especialmente no memorável terceiro ato), A Visita é uma das mais bacanas misturas de gêneros do cinema em 2015.
✰✰✰✰ (4/5)
Maze Runner: Prova de Fogo (Maze Runner: The Scorch Trials, EUA, 2015)
Direção: Wes Ball
Roteiro: T.S. Nowlin, baseado na novela de James Dashner
Elenco: Dylan O’Brien, Ki Hong Lee, Kaya Scodelario, Thomas Brodie-Sangster, Jacob Lofland, Giancarlo Esposito, Patricia Clarkson, Aidan Gillen, Lili Taylor, Barry Pepper
132 minutos
No mar de adaptações de literatura young adult inundando os multiplexes por aí, é difícil encontrar alguma que pareça ter algo realmente especial. Jogos Vorazes, com sua estrela vencedora de Oscar, seu discurso político e emocional mais contundente, e suas referências à clássicos da ficção científica (1984 especialmente, é claro), é uma dessas. Maze Runner também parecia ser, no seu primeiro capítulo, se diferenciando dos concorrentes pela trama mais contida a um espaço, pelo mistério pulp da organização secreta (chama WICKED!) que estava orquestrando o futuro distópico da história, e pelo design de produção espetacular, dando apoio a um elenco jovem bem escolhido. Se acomodando ao ciclo de produção intenso das outras franquias do gênero, Prova de Fogo, a continuação, chegou aos cinemas por volta de um ano depois – uma pena que a continuação da história urdida por James Dashner na trilogia de livros originais não retenha as melhores partes do primeiro capítulo.
Prova de Fogo vê nossos heróis, liderados por Thomas (Dylan O’Brien, que merece papeis melhores), sendo acolhidos por um grupo suspeito de militares ao escapar do labirinto do primeiro filme. Lá, descobrem que as intenções de seus “salvadores” não são tão boas quanto parecem, embora o espectador provavelmente tenha adivinhado isso assim que Aidan Gillen, o Mindinho de Game of Thrones, foi escalado para interpretar a principal figura de liderança do tal destacamento militar. O filme desvenda alguns dos mistérios da WICKED, adiciona perigos ao lançar os protagonistas em um deserto onde são perseguidos por criaturas parecidas com zumbis (humanos infectados com um vírus que a WICKED quer curar “chupando” o gene de imunidade dos jovens protagonistas – tal gene só existe na nova geração), mas no final das contas se parece com um longo e burocrático exercício de perseguição, estilizado com habilidade pelo diretor Wes Ball, mas nunca exibindo o brilho peculiar do primeiro filme, uma pérola de ficção científica kitsch encrustada no meio de um esquema de produção hollywoodiano que só produz pedras brutas.
✰✰✰ (3/5)
Perdido em Marte (The Martian, EUA/Inglaterra, 2015)
Direção: Ridley Scott
Roteiro: Drew Goddard, baseado no livro de Andy Weir
Elenco: Matt Damon, Jessica Chastain, Kristen Wiig, Jeff Daniels, Michael Peña, Sean Bean, Kate Mara, Sebastian Stan, Chiwetel Ejiofor
144 minutos
O maior trunfo de Perdido em Marte é Matt Damon. O americano de 45 anos, duas vezes indicado ao Oscar de atuação (ele venceu, junto com Ben Affleck, mas pelo roteiro de Gênio Indomável), está em um momento interessante da carreira, escolhendo com cuidado projetos que o colocam naquele raro equilíbrio entre “ator respeitável” e “astro de ação”. O recente Elysium foi uma derrapada nesse sentido, pendendo mais para um lado do que para o outro, mas Perdido em Marte acerta em cheio – chegando perto das 2h30 de metragem, o filme do veterano Ridley Scott, cujas incursões anteriores pela ficção científica (Alien, Blade Runner) dão à Perdido em Marte certo pedigree, não é uma obra-prima, mas se apóia no carisma e na transparência emocional sutil de Damon para envolver o espectador em uma história de sci-fi muito mais firmada na realidade e nos dados científicos atuais do que estamos acostumados a ver. Nas mãos de Damon, a ficção científica possível de Perdido em Marte encontra um herói igualmente crível, e é aí que o filme ganha o jogo.
Especialmente porque, com a honrosa exceção da capitã Lewis de Jessica Chastain, em sua segunda ótima atuação em papeis coadjuvante em ficções científicas em pouco tempo (vide Interestelar), os coadjuvantes são meros peões dessa complexa história de resgate, que é impulsionada quando um grupo de cientistas em uma missão em Marte é obrigado a abandonar o planeta vermelho por conta de uma tempestade, mas acaba deixando para trás um da sua equipe, o Mark Watney feito por Damon – que eles presumiam estar morto. Quando a NASA descobre que não é bem assim, a corrida para garantir a sobrevivência de Mark começa. O roteiro de Drew Goddard (O Segredo da Cabana) adapta com bom-humor e contenção o livro elogiado de Andy Weir, e a direção de Scott garante a elegância dos procedimentos, trabalhando a câmera e os recursos narrativos (o diário de Mark, as câmeras de vigilância do habitat artificial onde ele tem que viver) com habilidade.
Perdido em Marte envolve o espectador com facilidade, um épico de ficção científica bem diferente das aspirações filosóficas e metafóricas de seus companheiros de gênero. É um filme-pipoca em seu cerne, e um dos bons.
✰✰✰✰ (4/5)
O Bom Dinossauro (The Good Dinosaur, EUA, 2015)
Direção: Peter Sohn
Roteiro: Meg LeFauve
Elenco: Raymond Ochoa, Jack Bright, Jeffrey Wright, Frances McDormand, A.J. Buckley, Anna Paquin, Sam Elliott
93 minutos
Segundo acerto da Pixar em 2015, O Bom Dinossauro notavelmente teve um dos processos de produção mais difíceis da história da companhia, passando por uma série de reimaginações desde 2009. Talvez o pé atrás que muitos críticos desenvolveram com a empresa de animação depois do período de seca criativa entre 2010 e 2015, somado com esses já reportados problemas de produção, tenham evenenado a percepção deles do filme de Peter Sohn, que estreia em longas-metragens depois do memóravel curta Parcialmente Nublado. Embora não tenha a genialidade visual e narrativa de Divertida Mente, seu companheiro de estúdio em 2015, O Bom Dinossauro é uma fábula bem contada sobre superação de medos e, especialmente, sobre o indelével valor que esse sentimento tem na formação do caráter de uma pessoa. Uma história de crescimento como tantas da Pixar, o filme de Peter Sohn é um inteligente retrato de personagens cujos maiores medos os guiam de maneira definitiva, e da maturidade emocional que é necessária para enfrentá-los ao invés de fugir deles.
A história acompanha Arlo (Raymond Ochoa), um apatossauro que, num nundo alternativo em que aquele infame asteróide não atingiu a Terra, perde o pai e se envolve em uma confusão que o leva para longe da fazenda da sua família, onde sua ajuda é necessária. Ele se alia a um menino humano (Jack Bright), que age como um cachorro e não parece ter família própria – em uma sequência linda, de cortar o coração, a origem dos dois protagonistas fica clara através de uma metáfora que o diretor Peter Sohn definiu como o coração do filme, concentrando-se na comunicação não-verbal. O Bom Dinossauro, de fato, é uma narrativa muito visual, combinando suas paisagens ultra-realistas com o deisgn mais caricato dos personagens de maneira adorável e fazendo referências visuais à farorestes clássicos e a outros filmes, como o clássico Tubarão (na cena em que os dinossauros se reúnem ao redor da fogueira). A jornada do protagonista é identificável e os personagens que o cercam sublinham essa jornada com delicadeza e graça – O Bom Dinossauro pertence, com todos os filmes da era de ouro da Pixar, na prateleira de triunfos do estúdio. Pena que nem todo mundo o tenha percebido assim.
✰✰✰✰✰ (4,5/5)
Goosebumps: Monstros e Arrepios (Goosebumps, EUA/Austrália, 2015)
Direção: Rob Letterman
Roteiro: Darren Lemke, baseado nos livros de R.L. Stine
Elenco: Jack Black, Dylan Minnette, Odeya Rush, Ryan Lee, Amy Ryan, Jillian Bell, Halston Sage, Ken Marino
103 minutos
Com mais de 300 milhões de cópias vendidas mundialmente, a série de terror-para-crianças Goosebumps é chamada por muitos de “a Harry Potter dos anos 90”, mas sua natureza de histórias isoladas a cada livro, além do ritmo prolífico de seu autor (foram 62 livros entre 1992 e 1997), impediram que Goosebumps chegasse aos cinemas intacta. Uma série de antologia, produzida entre 1995 e 1998, adaptou vários dos contos assinados por R.L. Stine para a TV, mas Goosebumps, de 2015, é a primeira adaptação direta para o cinema – e o roteiro de Darren Lemke (Jack, o Caçador de Gigantes) é esperto ao comprimir todas as criaturas de Stine em uma única trama, minar a capacidade de nostalgia que essas histórias trazem, criar um conto metalinguístico divertido, e ainda estruturar uma aventura juvenil que se abre para futuras explorações em forma de franquia.
Associado à direção habilidosa de Rob Letterman (Monstros vs. Alienígenas), que mantem as engrenagens rolando, especialmente nas ótimas cenas de ação, esse trabalho de roteiro faz de Goosebumps um blockbuster divertido, mesmo que não o faça ganhar em profundidade, nem vá muito longe na reprodução da magia dos livros de Stine, que contavam histórias aterrorizantes que mexiam com medos infanto-juvenis com maestria. Jack Black estrela como o próprio Stine, retratado no filme como um paranóico morador de uma cidade pequena para onde Zach (Dylan Minnette) se muda. Não demora tanto para que o jovem descubra o segredo do escritor – quando um de seus manuscritos da série Goosebumps é aberto, o monstro que habita o mundo de ficção da história em questão é libertado. A premissa abre caminho para efeitos especiais e cenas de perseguição impressionantes, sejam elas envolvendo o Abominável Homem das Neves ou, na nossa preferida, um Lobisomem vestido de uniforme de futebol americano.
Sem a ousadia nem o elenco certo para abraçar a natureza irônica de sua reconstrução da mitologia da série, Goosebumps, o filme, sofre do frequente mal da incompletude que assombra os filmes grandes de Hollywood. Segue como uma aventura divertida, mas não satisfaz com sua reviravolta de trama meticulosamente previsível, nem com sua exploração rasa de certos temas e consequências.
✰✰✰✰ (3,5/5)
Z for Zachariah (Islândia/Suiça/Nova Zelândia/EUA, 2015)
Direção: Craig Zobel
Roteiro: Nissar Modi, baseado na novela de Robert C. O’Brien
Elenco: Chiwetel Ejiofor, Chris Pine, Margot Robbie
98 minutos
O diretor Craig Zobel brinca com os limites entre o cinema independente e o mainstream em Z for Zachariah, seu terceiro longa-metragem, primeiro desde o polêmico Obediência (2012), que explora de forma chocante a forma como as tensões escalam a partir de um trote inicialmente inofestivo a um restaurante de fast-food. A apreensão que Zobel fez crescer naquele filme, um dos mais interessantes (e menos vistos) dos últimos anos, está presente de maneira mais sutil em Zachariah, um conto dramático de ficção científica que Zobel e o roteirista Nissar Modi (Breaking at the Edge) injetam com metáforas bíblicas e discussões sobre raça, religião e machismo. Adaptado livremente de um clássico cult do gênero escrito por Robert C. O’Brien (A Ratinha Valente), Zachariah é um filme quieto e discreto, cujos desafios e teses se escondem por debaixo da superfície do triângulo amoroso que se forma entre os três únicos personagens que vemos em cena.
Localizado em um mundo pós-apocalíptico, Zachariah começa com o encontro entre Ann (Margot Robbie), uma fazendeira que foi salva dos eventos misteriosos do apocalipse graças ao isolamento natural do vale em que vive; e John (Chiwetel Ejiofor), um cientista envolvido em um traje anti-radiação que parece muito empolgado por finalmente ter encontrado ar respirável. A partir daí, a relação entre os dois vai evoluido, tal e qual um Adão e Eva moderno, completa com o conflito religioso obrigatório – Ann é católica, e John acredita apenas na ciência, o que é um problema quando a capela da fazenda, onde Ann toca órgão mesmo que sozinha, precisa ser demolida para se construir um moinho que pode trazer energia elétrica para a casa. O terceiro elemento da trama é Caleb (Chris Pine), a proverbial serpente do paraíso, que aparece assim que John e Ann acertam entre si a possibilidade de, já que são provavelmente os únicos sobreviventes do apocalipse, se juntarem como um casal. Caleb tem muito mais em comum com Ann, e Pine o interpreta com os olhos sedutores e a eventual astúcia maliciosa que o roteiro lhe pede – a maçã que essa serpente oferece à Eva é muito atraente a ela.
Tanto essa metáfora quanto o subtexto racial correm por baixo da narrativa direta e linear do diretor Zobel, que nunca foi muito de subterfúgios. Sua força como artista está em criar filmes impactantes narrativamente que possuem um discurso social inteiramente escrito nas entrelinhas, e nesse sentido não é tão grande o espaço que separa Obediência de Z for Zachariah. Aqui, ele tem a ajuda de um trio de atores espetacular, com Robbie se tornando imediatamente o destaque por trazer para o filme uma Ann que se equilibra na ponta dos pés entre a inocência e uma melancolia profunda e internalizada, que a envelhece muito. A atriz some dentro do papel, o que é sempre a marca de uma intérprete comprometida – ela é o trunfo de um filme lindamente concebido, mas nem sempre bem-realizado.
✰✰✰✰ (3,5/5)
A Walk in the Woods (EUA, 2015)
Direção: Ken Kwapis
Roteiro: Michael Arndt, Bill Holderman, baseados no livro de Bill Bryson
Elenco: Robert Redford, Nick Nolte, Emma Thompson, Mary Steenburgen, Nick Offerman, Kristen Schaal
104 minutos
Ainda imponente e em boa forma do alto de seus 79 anos, o perpetualmente cool Robert Redford fez de A Walk in the Woods mais um de seus projetos passionais. O astro de Butch Cassidy and The Sundance Kid está tentando adaptar o livro de não-ficção do escritor Bill Bryson há quase uma década – em primeira instância, o filme deveria marcar a reunião de Redford com o velho amigo Paul Newman, mas a doença e eventual morte do ator liquidou com os planos de produção. Sem Newman, Redford acabou escalando outro velho amigo, Nick Nolte (48 Horas), com quem ainda não tinha dividido a cena, para formar a parceria central da história, que foca em um escritor renomado perto da aposentadoria (Redford) que, ao decidir fazer uma trilha que atravessa todo os EUA, é acompanhado por um amigo das antigas com quem havia perdido contato devido a um desentendimento (Nolte). A dinâmica entre os dois atores veteranos é deliciosa de se assistir, com Nolte mastigando com gosto um papel cômico feito sob medida para seus talentos, sua voz áspera e seu porte físico desajeitado, e Redford emprestando calor humano ao protagonista da jornada.
Uma pena que os dois atores sejam quase os únicos atrativos do filme. O roteiro de Michael Arndt (Pequena Miss Sunshine) e Bill Holderman (Leões e Cordeiros) tropeça da adaptação, o que é uma surpresa dados os créditos anteriores de ambos – nas mãos deles, A Walk in the Woods é uma jornada condescendente com todos os personagens que não se encaixam no ideal de comportamento de seus protagonistas, e é melhor nem falar do tratamento que o filme dispensa às personagens femininas. Pior ainda é perceber que, se quisesse, A Walk in the Woods podia ter um elenco de personagens femininas coadjuvantes memorável, visto que reúne ótimas intérpretes (cada uma em seu estilo) como Emma Thompson, Mary Steenburgen e a sempre hilária Kristen Schaal, que até nos breves momentos em que aparece em tela consegue deixar uma marca com sua personagem. A direção de Ken Kwapis (Quatro Amigas e um Jeans Viajante) também não ajuda, aproveitando pouco das paisagens deslumbrantes do caminho e engatando o piloto-automático, deixando Nolte e Redford fazerem todo o trabalho de encenação.
Esses dois excelentes intérpretes fazem de A Walk in the Woods uma bela jornada de personagem, mas nem as forças combinadas deles conseguem fazê-lo um bom filme.
✰✰✰ (2,5/5)
A Espiã que Sabia de Menos (Spy, EUA, 2015)
Direção e roteiro: Paul Feig
Elenco: Melissa McCarthy, Jude Law, Rose Byrne, Miranda Hart, Allison Janney, Jason Statham, Morena Baccarin, Bobby Cannavale
119 minutos
Numa das cenas de ação climáticas de Spy (nos recusaremos a usar o título nacional), Melissa McCarthy enfrenta uma oponente feroz, incorporada pela esguia e atlética atriz nova-iorquina Nargis Fakhri. Encenada na cozinha de um restaurante, a luta inclui a personagem de McCarthy utilizando uma variedade de produtos alimentícios para desviar os golpes de faca da oponente, e eventualmente encontrando a arma de que precisava em uma pequena frigideira. Encenada em ritmo alucinante pelo diretor e roteirista Paul Feig (Missão Madrinha de Casamento), a luta é uma das cenas de ação mais cinéticas, divertidas, surpreendentes e bem-conduzidas do ano – e 2015 foi ano de Mad Max, lembrem-se! Na fisicalidade das duas atrizes, na escolha de não esconder a brutalidade do confronto físico e de dar a sua protagonista ostensivamente cômica um conjunto de habilidades comparável a sua graça em tela, Feig empresta da cartilha de Jackie Chan e cria uma das lutas mais bacanas do cinema na memória recente.
Na trama, McCarthy interpreta Susan, uma analista da divisão técnica da CIA que, após a morte do agente de campo com o qual ela trabalhava (feito por Jude Law), se voluntaria para sair detrás da mesa do escritório e embarcar em uma perseguição internacional por um traficante de armas que botou as mãos em uma ogiva nuclear. Se você quer um pastiche dos filmes de espião que, ao mesmo tempo, acerte todos os pontos altos do entretenimento que eles proporcionam, não recorra à Kingsman, a esnobe aventura dirigida por Matthew Vaughn, mas sim à Spy. De brinde, ainda dá para ganhar uma performance espetacular de McCarthy, tremendamente engraçada sem nunca se contentar em ser o alvo das piadas – com a ajuda de Feig, ela faz de sua Susan uma protagonista para a qual torcemos, e que faz valer a nossa torcia. Spy é uma celebração dos talentos dessa mulher que tantos subestimaram, e para a gordinha McCarthy, essa deve ser uma história familiar até demais.
Perto do final de Spotlight, o editor-chefe do Boston Globe, interpretado por Liev Schreiber (Ray Donovan) está revisando o texto de uma matéria importante junto de seus colegas de trabalho. Enquanto lê, o personagem de Schreiber risca com uma caneta algumas palavras na folha – “O quê?”, lhe pergunta Walter Robbinson (Michael Keaton), um dos jornalistas responsáveis pela investigação que resultou na tal matéria; “Adjetivos”, responde o editor. A atuação de Schreiber, que sempre se mostrou excelente em entender seus personagens, é discreta e minimalista como no filme todo, compondo em tela um jornalista não só crível (afinal, ele foi baseado em um personagem real), mas facilmente identificável. Spotlight é obcecado por esses pequenos detalhes, esses minúsculos vícios e procedimentos que fazem do jornalista o que ele é, e do processo tudo aquilo que não se é alardeado por aí – intenso, mas em muitos momentos quase corriqueiro; que exige coragem e percepção aguda, mas também paciência, minúcia e suor. Em termos de tributo a essa atividade profissional, poucos filmes se comparam a Spotlight nos últimos anos.
O diretor e roteirista Tom McCarthy (O Visitante), com a ajuda do co-escritor Josh Singer (O Quinto Poder), reconstrói a investigação, feita entre 2001 e 2002, por um grupo especializado de jornalistas do Boston Globe, sobre os casos de pedofilia e abuso sexual dentro da Igreja, e especialmente dentro das paróquias da cidade tradicionalmlente católica em que se encontravam. Os resultados a que eles chegam são chocantes, mas Spotlight faz com que eles cheguem a custo de muito trabalho – esse é o tipo de filme em que a descoberta e exaustiva leitura de um registro de padres da Igreja católica e a descoberta de termos usados neles para denotar padres afastados por incidentes de abuso se torna um desenvolvimento de trama excitante. Temperado com cenas de seus protagonistas construindo uma base de confiança com as fontes mais importantes (especialmente o advogado armênio feito, com a maestria de sempre, por Stanley Tucci), e de nossos repórteres batendo de porta em porta fazendo perguntas delicadas a respeito de casos de abuso sexual, Spotlight é um procedural que poderia ser entediante, se não tivesse tanta paixão pela atividade que retrata, pelos personagens que constrói, e pela importância da informação que traz.
O filme de McCarthy é também um que leva muito a sério as consequências dos acontecimentos que retrata. O roteiro não alivia a angústia contida na forma como cada um dos nossos protagonistas, religiosos ou não, vêem sua fé ou falta de fé afundar frente aos fatos que estão descobrindo, e através deles nos deixa na boca o gosto amargo que também ficou, com certeza, em boa parte da comunidade católica ao descobrir o que sua Igreja escondia. O fato da investigação contida em Spotlight conter dados espantosos até hoje, 14 anos depois da reportagem original ser publicada, só sublinha o quanto a luta desses jornalistas e de cada um daqueles que eles entrevistaram para apurar seus fatos precisou continuar muito depois do resultado final ganhar as páginas do Boston Globe. Spotlight não nos dá muito insight na vida pessoal dos seus protagonistas, mas faz o bastante para mostrar que seus status de jornalistas não ficam só no espaço da redação do jornal, e que em muitos sentidos aquela missão que eles abraçam no trabalho lhes define para muito além dele.
McCarthy também escapa de glorificar seus protagonistas ou colocá-los em um pedestal. Com uma revelação pertinho do final do filme, Spotlight é bem aberto ao definir a atividade jornalística como um “passeio no escuro”, e seus praticantes como seres humanos passíveis de falhas, hipocrisias e falhas e caráter, como todos nós. É por essa humanidade que o filme, e especialmente o seu elenco, brilha tanto e com tal realismo – a performance detalhista e geniosa de Keaton como o chefe do time de repórteres investigativos que faz a matéria desenha um arco de personagem mais claro; mas o destaque provavelmente é a impressionante atuação de Mark Ruffalo, incorporando os maneirismos e o crescente exasperamento de seu personagem com bravura e comprometimento. O restante do elenco brilha com a harmonia de um time, em papeis grandes ou pequenos – McAdams, indicada ao Oscar pelo trabalho, não é um destaque especial do filme, mas cumpre sua função nele com brilhantismo.
Spotlilght é preciso em seu retrato da cidade de Boston como uma comunidade fechada em que a proteção à Igreja Católica (e da Igreja Católica) significa muito, e da hipocrisia de tantos que simplesmente e fazem vista grossa, enquanto cumprindo as obrigações do seu trabalho, para aquilo que está acontecendo bem a sua frente. É devastador em sua abordagem do significado da religiosidade, e das cicatrizes que a quebra dessa fé e o abuso físico podem deixar nas pessoas. É realista, profissional e hercúleo em seu comprometimento com o procedimento jornalístico. E é, sem dúvida nenhuma, um dos grandes filmes de 2015 – uma grande história, dessa importância, sendo contada com tamanha competência, sempre vai ter um lugar garantido em qualquer lista de melhores do ano.
✰✰✰✰✰ (5/5)
Spotlight: Segredos Revelados (Spotlight, EUA, 2015)
Direção: Tom McCarthy
Roteiro: Josh Singer, Tom McCarthy
Elenco: Mark Ruffalo, Michael Keaton, Rachel McAdams, Liev Schreiber, John Slattery, Brian d’Arcy James, Stanley Tucci, Paul Guilfoyle, Billy Crudup
128 minutos
É fácil subestimar Brooklyn. Seja por sua história açucarada, repleta de romance; pela protagonista inicialmente inocente, advinda de uma cidadezinha no meio do nada (ou melhor, da Irlanda); ou pela visão utópica que mantem da América, uma terra de oportunidades como sempre é comercializado que ela seja. Há no filme do diretor John Crowley (Rapaz A), no entanto, uma profundidade, um discurso, uma importância e, mais marcantemente, uma sensibilidade extraordinária. Brooklyn adapta o premiado livro de Colm Tóibín sobre uma garota irlandesa que vai à Nova York nos anos 50 para encontrar oportunidades que inexistem para ela na cidadezinha natal, onde deixa a mãe e a irmã mais velha, esta última a patrocinadora da viagem. No ato de voltar no tempo e olhar para a experiência de Eilis, nossa heroína, como imigrante, Brooklyn provém comentário essencial sobre a forma como cada um de nós trata (e como eles, os americanos, tratam) aqueles que vem de além da fronteira.
Muitas resenhas neutralizam esse lado do filme de Crowley argumentando que Brooklyn é o relato da experiência de uma imigrante branca, europeia e cristã chegando à América, em oposição aos imigrantes árabes, do Oriente Médio e muçulmanos que tantos países da Europa e do mundo todo tem barrado ou acolhido hoje em dia. No entanto, o efeito dessas diferenças, que não devem ser ignoradas, é só sublinhar e reforçar a intenção e a profundidade do comentário social – porque para Eilis a América é uma terra onde sonhos podem se realizar, e para essas centenas de milhares imigrantes orientais (e mexicanos, diga-se de passagem) não? Brooklyn resgata uma época e uma circunstância em que Nova York, e os EUA, serviram o mote de acolhimento e oportunidade que sempre fez parte do seu orgulho e de sua identidade nacional, recebendo jovens e imbuindo-os do espírito de confiança em si mesmos que vem de agarrar seus objetivos sozinho. Quer nos lembrar da beleza desse ideal de forma completa, com os espinhos e as belas pétalas que nascem dele, e faz isso lindamente.
Nisso, o trabalho de adaptação de Nick Hornby se mostra excelente. Ele mesmo um novelista, tendo escrito os livros que geraram Alta Fidelidade e Um Grande Garoto, Hornby recentemente tem se dedicado a levar o trabalho de outros artesãos da palavra para a tela. Aqui, ele transforma a prosa de Tóibín em uma narrativa encantadora se de acompanhar, mantendo o diálogo afiado, surpreendendo o espectador emocionalmente a cada esquina, e desenhando a jornada da personagem principal com maestria, mesmo que sem muitos floreios de poesia. Em muitos momentos, a história e o carisma de Eilis como personagem falam por si só, e Hornby é sábio o bastante para deixar que isso aconteça – o resultado é uma bela narrativa que lida encantadoramente com a interação entre as mulheres, sem vilanizar nenhuma delas ou desenhar rivalidades mesquinhas, além de uma angustiantemente bela reprodução dos sentimentos e das particularidades de encontrar e construir uma vida longe de casa. Em certa cena, Eilis escreve numa carta para a irmã, assim que as coisas começam a parecer melhores para ela em Nova York: “Before, by body was here, but my heart was in Ireland. Now, it’s halfway across the ocean”.
Para sustentar essa confiança que Brooklyn ostenta na própria história e na própria protagonista, Eilis precisava mesmo de uma atriz como Saoirse Ronan. Superlativa em todos os sentidos, a jovem estrela que ganhou a primeira indicação ao Oscar aos 14 anos por Desejo e Reparação (e a segunda agora, por esse filme) ganha a simpatia do espectador imediatamente, mas não sacrifica o trabalho de personagem para isso, aproveitando que o diretor Crowley lhe dá espaço para trabalhar (vários takes estendidos apenas observam a expressão no rosto de Eilis) para entregar uma atuação vivaz e alerta, sempre em contato com o mais trágico e o mais belo na história que está contando. Um dos momentos mais notáveis do começo do filme, e talvez a cena mais fundamental em nos envolver na história de Brooklyn, acontece quando Eilis, ainda na Irlanda, vai para um último baile com sua melhor amiga, Nancy, que logo consegue o par que almejava para dançar. Assim que a amiga se afasta com a nova conquista, passamos um tempo com Eilis, com a câmera concentrada em seu rosto – Saoirse a faz dardejar os olhos pela sala, considerar tudo ali que lhe soa como insuficiente ou desconfortável, e mesmo assim a esmagadora noção do quanto ela vai sentir falta de tudo aquilo. Nós, espectadores, simplesmente assistimos, por alguns segundos, um personagem pensar (não interagir, ou conversar, ou monologar, mas pensar), e nas mãos de Ronan isso se torna um espetáculo arrepiante.
Temperado por um trabalho belíssimo de trilha-sonora de Michael Brook (As Vantagens de Ser Invisível), que destaca com elegância os toques emocionais do filme, sem sentir vergonha ou fugir do apelo deles, Brooklyn é um romance encantador, um drama familiar e de amadurecimento ainda mais espetacular, e um lembrete agridoce e clássico da proposta do sonho americano – por consequência, é também uma contestação sutil do porquê ele não funciona para todo mundo. É um filme cuja fé na narrativa é charmosamente antiquada, mas cujo ponto de vista é refrescantemente moderno. E é um pedaço de cinema de tirar o fôlego, completo em sua ambição, em sua execução e no impacto que causa no espectador.
✰✰✰✰✰ (4,5/5)
Brooklyn (Irlanda/Inglaterra/Canadá, 2015) Direção: John Crowley Roteiro: Nick Hornby, baseado na novela de Colm Tóibín Elenco: Saoirse Ronan, Emory Cohen, Domhnall Gleeson, Jim Broadbent, Julie Walters, Fiona Glascott 111 minutos
Todos os anos, lá pelo mês de Maio, nós aqui d’O Anagrama puxamos um pouco o saco do Festival de Cannes, com o nosso postzinho anual de 10 filmes imperdível da seleção do festival francês. O que nos passou relativamente despercebido até agora é que existe outra festa do cinema que precisa ser notada e merece o mesmo tratamento. Sundance acontece desde 1978, em uma cidadezinha de Utah, no coração dos EUA – já é o maior festival de cinema independente americano, e a cada ano que passa a sua seleção de filmes de outros países e documentários ganha mais destaque. Acompanhar a seleção de Sundance é invariavelmente encontrar algumas pérolas indies sobre as quais falaremos o ano todo, e é a oportunidade de conhecer, também, talentos emergentes que podem estar borbulhando por baixo do radar de Hollywood. Em tempos de Oscar, é bom lembrar que existe (muito) mais cinema por aí do que o que a Academia escolhe reconhecer.
The Birth of a Nation(Nate Parker, EUA)
Nate Parker ganhou destaque na indústria como ator, em papéis coadjuvantes em Sem Escalas e Amor Fora da Lei, além do papel principal no drama romântico Nos Bastidores da Fama, elogiado filme da diretora Gina Prince-Bythewood (A Vida Secreta das Abelhas) de 2014. A estreia do moço na direção em The Birth of a Nation, no entanto, tem arrancado mais entusiasmo da crítica do que qualquer coisa que ele fez na frente das câmeras – “emprestando” o título do filme de D.W. Griffith de 1915, considerado um clássico inovador por sua contribuição para a técnica do cinema e da narrativa, mas amplamente condenado como uma história racista que transforma em heróis os integrantes da Ku Klux Klan, Parker dirige, escreve e protagoniza a história de um ex-escravo que, em 1831, tenta libertar outros cidadãos negros que estão submetidos à escravidão na Virginia, estado conservador dos EUA.
É uma história real, daquela que é considerada a rebelião de escravos mais bem-sucedida da história americana. No elenco, destacam-se Gabrielle Union (Being Mary Jane), Armie Hammer (O Cavaleiro Solitário), Penelope Ann Miller (O Artista) e Jackie Earle Haley (Watchmen).
A história de Christine Chubbuck ficou conhecida mundialmente em 1974, quando ela desferiu um tiro na própria cabeça durante uma transmissão ao vivo do programa que comandava em uma pequena emissora da Flórida, nos EUA. Assolada pela depressão desde jovem, Christine tinha apenas 30 anos, e as muitas declarações de sua família e de seus colegas de trabalho desde então fizeram crer que a absoluta solidão afetiva, a dificuldade social e as pressões do trabalho a levaram ao ato. O filme Christine, dirigido por Antonio Campos (Simon Killer) e escrito por Craig Shilowich (Rio Congelado), foca na psique dessa personagem real perturbadora e engimática, além de sublinhar o papel da desmoralização do trabalho e dos esforços da repórter em fazer do Suncoast Digest, programa que apresentava, um pedaço sério e comprometido de jornalismo, enquanto a emissora pedia por histórias mais “suculentas” e “sangrentas” para atrair audiência.
Rebecca Hall, que já provou suas capacidades na minissérie Parade’s End e em Vicky Cristina Barcelona, de Woody Allen, aceitou o desafio de encarnar Christine; enquanto isso, Michael C. Hall (Dexter) co-estrela na pele do colega de trabalho, e uma paixão não-correspondida da jornalista, George Peter Ryan.
Segundo filme de ficção do também documentarista Andrew Neel (Darkon), Goat é chamado, na descrição provida pelo próprio site do Festival de Sundance, de “parte neorrealismo, parte filme de horror” e “uma experiência cinematográfica tão importante quanto é brutal”. Apoiada na experiência do diretor com documentários, o filme se apóia firmemente no realismo para contar a história de um garoto de 19 anos (Ben Schnetzer, de Pride) que, depois de um ato de violência cometido contra ele, entra na faculdade e se alia a mesma “irmandade” de seu irmão mais velho, interpretado por ninguém menos que Nick Jonas. O que se segue é uma exploração dos aspectos mais violentos e brutais do que aprendemos a convencionar, na sociedade, como “a identidade masculina”. É um filme acusatório pela mera verdade que expõe, e parece ser uma experiência cinematográfica interessante.
No elenco também o jovem Danny Flaherty, que se destacou com um papel coadjuvante em The Americans. Um dos responsáveis pelo roteiro, por sua vez, é David Gordon Green, que já dirigiu filmes elogiados como Joe, além do recente Especialista em Crise.
Filmes de amadurecimento com pré e pós-adolescente são um artigo tão frequente em Hollywood que é uma surpresa que eles não sejam um mote batido. Como As You Are prova, no entanto, há sempre novos e interessantes meios de se olhar para essa eternamente fascinante fase da nossa vida – passado durante os anos 90, o filme de estreia do diretor/roteirista Miles Joris-Peyrafitte foca em três amigos que se consideram outsiders na escola em que estudam. O filme nos conta a história dessa explosiva relação de amizade e afeição através do ponto de vista de cada um dos três protagonistas, construindo um quebra-cabeças de memórias através de seus depoimentos para uma investigação policial. Os atrês adolescentes são feitos pelos jovens talentos Owen Campbell (excelente na segunda temporada de The Americans), Charlie Heaton (Stranger Things) e Amandla Stenberg (Jogos Vorazes).
O filme, uma exploração em longa-metragem da premissa que já rendeu o curta As a Friend, do diretor Peyrafitte, ainda conta com performances coadjuvantes fortes de Scott Cohen (Allegiance) e Mary Stuart Masterson(Tomates Verdes Fritos).
Uma das recentes queridinhas de Sundance, a diretora/roteirista asiático-americana So Yong Kim já está no seu terceiro filme selecionado pelo festival. Ou seja, é uma boa ideia prestar atenção à moça, de 48 anos, que já entrou por lá com In Between Days (2006) e For Ellen (2002) – a bola da vez é o drama Lovesong, a história de duas amigas que, quando saem para uma roadtrip improvisada juntas, descobrem uma nova dimensão de afeição no relacionamento entre elas. O problema é que uma delas não sabe lidar com esses novos sentimentos, e as duas acabam se afastando até 3 anos depois, quando uma delas está de casamento marcado. Riley Keough (Mad Max) entrega uma performance elogiada ao lado da co-protagonista Jena Malone (Sucker Punch), e o resumo provido pelo festival garante que, em Lovesong, “silêncio e olhares contam uma história mais completa do que diálogo explicito”.
O elenco, estrelado para os padrões de Sundance, inclui Brooklyn Decker (Battleship), Ryan Eggold (The Blacklist), Rosanna Arquette (Pulp Fiction), Amy Seimetz (Upstream Color) e até o diretor Cary Joji Fukunaga, conhecido por comandar a primeira temporada de True Detective.
Conhecidos pelos trabalhos em videoclipes, o duo formado por Dan Kwan e Daniel Scheinert (ou simplesmente “The Daniels”) marcaram muitos espectadores com obras como "Don't Stop", do Foster The People, e "Cry Like a Ghost", do Passion Pit. A estreia dos dois na direção e roteiro de um longa-metragem promete trazer a mesma carga de criatividade e energia dos clipes, contando a história improvável de um homem perdido em uma ilha deserta que, logo antes de perder as esperanças, vê um cadáver sendo carregado pelo mar para o litoral. Munido de seu novo “amigo” de uma série de recursos improváveis, a dupla parte em uma saga para levar o protagonista de volta para a mulher de seus sonhos.
No elenco tem Paul Dano (Pequena Miss Sunshine), Daniel Radcliffe (Harry Potter) e Mary Elizabeth Winstead (Scott Pilgrim), todos encarnando papeis que podem muito bem ser os mais improváveis de suas carreiras. A descrição do festival saúda o filme como “uma celebração das maravilhas e oportunidades oferecidas pelo cinema”.
Uma comédia dramática delicada e que não tem medo de cutucar o ego e a fragilidade masculina, Joshy chega à Sundance prometendo ser uma lufada de ar fresco em meio aos dramas mais pesados do festival. A história acompanha o personagem-título, cujo noivado termina bruscamente, dias antes da data em que o casamento estava marcado. Joshy resolve aproveitar a festa já marcada de despedida de solteiro mesmo assim, levando os poucos amigos que ainda se dispõem a ir com ele – o problema é que, concentrados em suas drogas e seus hook-ups, os tais amigos se recusam a endereçar o elefante branco que é a separação de Joshy, e conforme convidados desejáveis e não-desejáveis vão chegando e partindo, o protagonista vai ter que encontrar algum tipo de conclusão para essa etapa da sua vida.
Thomas Middleditch (Sillicon Valley) faz o protagonista, enquanto o elenco coadjuvante está lotado de talento cômico, como Adam Pally (Happy Endings), Nick Kroll (The League), Jenny Slate (Obvious Child), Lauren Graham (Gilmore Girls), Aubrey Plaza (Parks and Recreation), Joe Swanberg (O Último Sacramento), Alison Brie (Community) e Jake Johnson (New Girl).
Um roteirista de longa data do Saturday Night Live e de séries como Broad City, Chris Kelly estreia na direção e roteirização de um longa-metragem com a história muito pessoal de um personagem que se parece muito com ele. David, o protagonista de Other People, é um escritor de comédia iniciante que se muda de Nova York de volta para sua cidade do interior dos EUA, a fim de ajudar a mãe, que está gravemente doente. Vindo do fim de um relacionamento, David se sente um peixe fora d’água, agora, com o seu pai ultra-conservador e suas irmãs mais novas – e, apesar da deterioração do estado da mãe, tenta convencer a todos (e a si mesmo) que está “indo tudo bem”. Nas palavras dos organizadores do festival, o filme de Kelly é especial porque captura a importância de pequenos momentos na dinâmica familiar, e todo o espectro de emoções que só um dia com a sua família pode trazer.
Jesse Plemons (Fargo) estrela, com Molly Shannon (Wet Hot American Summer) entregando uma performance celebrada como sua mãe, e Bradley Whitford (Trophy Wife), June Squibb (Alaska) e Paul Dooley (Insônia) completando o elenco.
Southside With You é a crônica de uma tarde significativa de 1989, quando um estudante de direito de Harvard marcou um encontro com uma advogada da firma em que ambos trabalhavam. O nome dela era Michelle Robinson, e o dele Barack Obama – e apesar da pretensão para o “encontro” ter sido um evento de caridade no qual ambos deveriam comparecer pela empresa, logo fica claro que o fumante de voz suave que Michelle nunca notou na firma de advocacia está tentando impressioná-la. O épico primeiro encontro desses dois personagens significativos para a história americana é contado com habilidade e consciência pelo diretor de primeira viagem Richard Tanne, tomando muitas liberdade poéticas mas captando a essência dessas duas pessoas, iguais em poder, personalidade, ambição, intelecto e idealismo.
Tika Sumpter (The Haves and Have Nots) e Parker Sawyers (A Hora Mais Escura) estrelam em Southside With You, um filme importante para ponderar a significância desse e de tantos outros momentos para a história, principalmente agora que o segundo mandato de Obama está acabando.
O diretor Andrew Ahn estreia em longas-metragens com o promissor Spa Night, que coloca luz sobre uma comunidade pouco vista no cinema (a dos imigrantes coreanos nos EUA, especialmente em Los Angeles), e ainda os confronta com a cultura gay ocidental e as novas configurações familiares que se organizam no mundo todo. Na história, um jovem consegue trabalho em um spa para ajudar sua família, em crise financeira quando o restaurante do qual eram donos vai à falência – lá, ele descobre um submundo de sexo gay e possibilidades de relacionamentos novos que o assustam e o excitam ao mesmo tempo. Em casa, o pai machista não admite que a mãe, que conseguiu rapidamente um emprego como garçonete, seja a provedora de dinheiro para a família.
Joe Seo (Férias Frustradas) encara o difícil papel principal, enquanto Haerry Kim (Law & Order) interpreta a mãe. A descrição do festival diz que o diretor estreante Ahn, “assim como o seu protagonista, está à beira de um desenvolvimento incrível”.
Menções honrosas:
- White Girl(Elizabeth Wood, EUA): Uma garota branca e de classe privilegiada se apaixona, em meio à diversão regada a drogas das suas férias de verão, por um traficante de drogas porto-riquenho.
- Between Sea and Land (Carlos del Castillo, Colômbia): Um jovem com uma doença debilitante, preso em sua cama, sonha em visitar o mar, que se estende logo a frente de sua janela.
- Mi Amiga Del Parque (Ana Katz, Argentina/Uruguai): Uma jovem mãe se esforça para cuidar do filho recém-nascido enquanto o marido viaja a trabalho, encontrando no parque em que passei uma mãe solteira, de classe mais baixa, com a qual se conecta.
- The Lure (Agnieszka Smoczynska, Polônia): Uma família encontra duas sereias no litoral, que prometem não devorá-los. Elas se tornam vocalistas de uma nova banda no clube de dança local, mas a paixão de uma delas pelo baixista pode provocar consequências mortais.
- Sand Storm (Elite Zexer, Israel/França): Conflito de gerações em uma família muçulmana – enquanto prepara o casamento de seu marido com uma segunda esposa, Jalila descobre que sua filha mais velha, Suliman, está envolvida em um caso proibido com um garoto da universidade.
- Tallulah (Sian Heder, EUA): Uma moradora de rua (Ellen Page) “sequestra” o bebê de uma mãe negligente, e no desespero procura a única adulta responsável que conhece – sua ex-sogra (Alison Janney). Entrevista com a diretora aí embaixo.
Documentários:
- Audrie & Daisy (Bonnie Cohen, Jon Shenk, EUA): Duas garotas de idade escolar foram atacadas sexualmente por garotos que achavam ser seus amigos. Uma delas tirou a própria vida, e o filme acompanha a jornada da outra e sua descoberta sobre um caso tão semelhante ao seu.
- Author: The JT Leroy Story (Jeff Feuerzeig, EUA): Desmascarada em 2006, após 10 anos de atividade, Laura Albert publicou três celebradíssimos livros sob o pseudônimo JT Leroy – e enganou o público de tal forma, incluindo aparições públicas (conduzidas por uma atriz profissional) e amizades com grandes artistas e escritores, que seu caso até hoje caminha na linha tênue entre pseudônimo e fraude.
- Life, Animated (Roger Ross Williams, EUA): Aos três anos, Owen Suskind começou a aparesentar sinais de autismo – o único estímulo ao qual respondia eram os filmes da Disney. Um dia, seu pai perguntou a ele, com o boneco do papagaio Yago, de Aladdin, em mãos: “como é ser você?”. E Owen respondeu.
- Suited(Jason Benjamin, EUA): A empresa Bindle & Keep é uma alfaiataria inovadora – eles consideram a narrativa pessoal de cada um dos seus clientes para criar o terno perfeito, e não tem problemas em olhar para além dos gêneros binários.
- Holy Hell (Will Allen, EUA): Ao sair da faculdade, o jovem aspirante a cineasta Will Allen se juntou a um culto religioso – lá, filmou mais de 20 anos de acontecimentos chocantes e, mais tarde, da lenta deterioração e derrocada da seita. Entrevista com o diretor aí embaixo.
